Glem hitlisterne – Kritikere siger, at dette var de 5 mest succesfulde solokarrierer i 70’erne

Med 1970’erne lange i vores bakspejl, er visse soloartister åbenlyse standouts, ikke nødvendigvis på grund af, hvordan de nåede frem dengang, men på grund af den måde, deres musik stadig er relevant, hvordan den har forblevet indflydelse, og den måde, disse musikere fornyede sangkunst. Der er mange grunde til, at kunstnere kan blive kritisk værdsat, selvom de ikke havde alle nr. 1-hits – ikke fordi de ikke også kan have det; nogle gjorde det – men det er ikke det eneste kriterium, vi ser på som et tegn på succes, når vi dykker ned i nogle af de mest anmelderroste soloartister i 70’erne.

Musikerne her behøver ingen introduktion, men vi vil fremhæve deres tilgange til deres håndværk, og hvordan resultaterne var med til at forme popkulturen, for mens Captain og Tennille holdt nr. 1-pladsen længst i 1975, havde disse katte ingen reel indflydelse, ikke som Neil Young, Joni Mitchell, David Bowie, John Prine eller Marvin Gaye gjorde. Det, der gjorde disse legendariske soloartister så succesfulde i 70’erne, var adskillige højt respekterede albums, der fik beundring fra både kritikere, andre musikere og publikum, og som ofte påvirkede, hvordan vi tænkte om os selv og verden omkring os. I dag tales der stadig om disse kunstnere med ærbødighed. Billboard-hits kommer og går, men udholdenhed og musikalsk indflydelse er de sande tegn på succes.

Selvom Marvin Gaye havde været hos Motown siden 1961 og var en succesrig hitmager gennem det årti, var han i begyndelsen af ​​70’erne klar til at strække sine musikalske evner og dykke ned i mere personlig og meningsfuld sangskrivning. Rystet over den igangværende Vietnamkrig og datidens samfunds- og miljøspørgsmål, lavede han sit 11. album, “What’s Going On”, til stor kritisk og kommerciel succes, og dets indflydelse på kunst som social kommentar kan ikke overvurderes. En anden ting, der gjorde den så fremtrædende, var, at den var en ny slags plade fra en sort kunstner, og Gaye både skrev den og producerede den, hvilket beviser hans kreative evner. Sangene er målrettede og lyder som et perfekt kurateret gobelin, når de tages som helhed.

I 70’erne udgav Gaye adskillige flere albums, inklusive hvad Rock & Roll Hall of Fame kaldte et “stemningsfuldt mesterværk”, 1973’s anmelderroste “Let’s Get It On”, som dykkede mere ned i Gayes sensuelle side. Men som BBC bemærkede, “‘Let’s Get It On’ er et ikonisk, henrykt værk, men et meget fyldt med Gayes tvivl og usikkerhed,” delvist fordi Gaye havde nået toppen af ​​succes med “What’s Going On”, og det var svært at vide, hvor han skulle gå derfra. Variety siger, at “‘What’s Going On’ ændrede lyden af ​​R&B for altid,” og den slags indflydelse, sammen med albummets tidløshed, er svære at slå.

I 1971 udgav Joni Mitchell sit banebrydende fjerde album, “Blue”, en intimt personlig plade, der gav hende stor kritik. Hun var allerede kendt som folk-rockens engle-stemmede poet, men i 70’erne, og begyndende med “Blue”, begyndte Mitchell at udforske nye veje med sin musik, lave mere jazz-orienterede plader og eksperimentere med sit lyriske indhold. I 1974 havde hun sit største Billboard-hit med “Help Me”, fra hendes album “Court & Spark”. Den single gik til nr. 7, men Mitchells produktion blev aldrig lavet til kommerciel succes, så meget som det var hendes oprigtige udtryk for sit håndværk. Kritikere bemærkede, især i 70’erne.

Som Pitchfork påpeger, følger Mitchell efter[ed] hendes muse,” og hendes første 10 albums, hvoraf størstedelen spænder over 1970’erne, var blandt de fineste på hinanden følgende udgivelser af enhver kunstner nogensinde: “Mitchell var pops første kvindelige auteur, en innovatør af enestående talent, hvis indflydelse var enorm, øjeblikkelig … og langvarig.” Pitchfork-forfatteren Jessica Hoppers12 påpegede, at “Mitchell-tidens”12 indflydelse på den moderne tid. ‘n’ tell cottage industry” ses stadig hos kunstnere som Taylor Swift og St. Vincent.

Mitchell sagde i 2022, at hun synes, at selvom hendes albums blev rost kritisk, fik de ikke den mainstream-opmærksomhed, de burde have på grund af den mandsdominerede musikindustri i 70’erne, og sagde: “Folk syntes, at det var for intimt … jeg tror, ​​det gjorde folk nervøse” (via BBC). Men hun satte pris på, at nye generationer, der var påvirket af hendes sangskrivning, er mere komfortable med at konfrontere deres følelser.

John Prine kunne beskrives som sangskriverens sangskriver, den slags kunstner, som dem, der forstår håndværket, genkender som et autentisk talent. Det understreger hans musikalske oprindelseshistorie. Interessant nok blev han første gang rapporteret om af Roger Ebert i 1970 – ja, filmkritikeren, der så Prine, hvor han regelmæssigt spillede i et lille spillested i Chicago, da han var en 23-årig postbud. Han havde allerede skrevet nogle af sine mest elskede sange, som “Angel From Montgomery” og “Your Flag Decal Won’t Get You Into Heaven Anymore.”

Den legendariske sangskriver Kris Kristofferson havde også hørt om Prine, og i 1971 besøgte han ham i Chicago på den lille klub, hvor Prine jævnligt optrådte. Kristofferson, som Prine over for Billboard beskrev som værende “varmere end en to-dollar pistol på det tidspunkt,” vidste, at han havde hørt noget nyt og ekstraordinært i Prine og tog ham under sine vinger. Senere samme år udgav Prine sin første, selvbetitlede plade, efterfulgt af yderligere tre albums i 1972, 1975 og 1976, og mange flere efter 70’erne.

Prine var aldrig en mainstream hitmager, men San Diego Troubadours Terry Roland beskrev ham i 2020, året han døde, som “en tidløs svend, der rapporterede om den menneskelige oplevelse med bedragerisk enkelhed. Han fik os til at grine, græde, tænke og føle dybt, og gav åndedrag til enestående sangere som Bette Midler (‘Hello Montergo’), Johnny Cashmer (‘) (‘Paradise’), og George Strait (‘I Just Want to Dance With You’), gennem kraften i hans ord og de unikke excentriciteter i hans sind, var han legemliggørelsen af tre akkorder og sandheden.

Neil Young blev først kendt som medlem af Buffalo Springfield i slutningen af ​​60’erne, men hans soloarbejde i 70’erne betragtes ofte som hans søde sted. Young udgav “After the Gold Rush”, som Classic Album Sundays kaldte “måske hans første sande mesterværk”, i 1970, men albummet fik ikke mainstream-succes, og Rolling Stone fik det i starten. I dag ses den dog som en af ​​årtiets bedste, med sange som “Southern Man” og “Only Love Can Break Your Heart.” “Harvest” fra 1972 cementerede hans ry som en anmelderrost soloartist, selvom Rolling Stone også ikke kunne lide denne plade, da den først udkom. I mellemtiden kaldte Guitar.com albummet for “et genialt værk” i 2021, hvilket er interessant, da det forretning rapporterede, at Young engang sagde, at hvordan hans musik er “set om 30 eller 40 år” er det, han bekymrer sig mest om.

Young udgav ni soloalbums i 70’erne, ikke medregnet hans udgivelser med bandet Crazy Horse. Otte af hans 11 Billboard-hits som soloartist var fra det årti, hvor “Heart of Gold” ramte førstepladsen i 1972. Hans næsthøjeste hitliste var på 31. Som rapporteret i et essay skrevet af Fred Schruers til Young’s Rock & Roll Hall of Fame-introduktion, var Young desillusioneret med mainstream-musik efter “Harvest”, så han var interessant, hvor han sagde “Harvest”. Derfra dyrkede Young et unikt værk, der udgravede de mørkere steder og stadig kom tilbage for at rocke ud med sange som “Like a Hurricane” fra 1977.

Susan Lacy, Emmy-vindende skaber og executive producer af “American Masters,” sang hans lovprisninger og sagde: “Der er ingen fornægtelse af Neil Young som musikkens mest kompromisløse rockkongelighed. Han er en respektløs digter med et rock and roll-hjerte. Hans musik legemliggør buen af amerikanske erfaringer, udfordrer en autoritetsindustri og udfordrer fortsat en autoritetsindustri. musikere og fans over hele verden” (via PBS).

David Bowie var en anden slags musiker end de andre på denne liste, da hans kunstnerskab gik ud over sangkunst til at inkludere en stor vægt på sceneoptræden og skubbe grænserne for konventionel identitet. Bowie var produktiv i 70’erne og udgav 11 studiealbum, inklusive “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars”, “Aladdin Sane” og det, der blev kendt som hans Berlin-trilogi, “Low”, “Heroes” og “Lodger”.

Mens de andre kunstnere på denne liste var meget involveret i den tid, hvor de oplevede livet, så Bowie fremad og forestillede sig, hvad der kunne være. Hans frygtløshed i eksperimentets navn skaffede ham et publikum af både fans og kritikere, som altid var nysgerrige, hvad han ville gøre næste gang. Time skrev: “70’erne er fortsat Bowies mest visionære æra, den tid, hvor han etablerede sig som den moderne pops Nostradamus” for den måde, han så ud til at være på forkant med kommende tendenser i identitet og den måde, vi kuraterer vores selvbilleder for verden i dag via ting som sociale medier.

Hvad angår hans musik, havde den lignende kvaliteter. Robert Hilburn skrev til Rock & Roll Hall of Fame: “Bowie producerede noget af den moderne pop-æras mest uddybende og påvirkende musik. Når han skrev om de skræmmende monstre i sit eget liv i et samfund, der revurderede sine værdier, varslede Bowie næsten alle vigtige trends inden for pop – fra den kønsbøjende forvirring af glitter-æraen fra ’90’s udlændinge-rock til sjæleforskningen.”